Публикации раздела Музеи

Путеводитель по наивному искусству

Н аивное искусство или искусство непрофессиональных художников нечасто попадает во внимание галеристов и арт-критиков. Однако работы наивистов, простые и открытые, могут быть не менее драматичны и даже художественно значимы, чем полотна признанных мастеров. О том, что такое наивное искусство и почему интересно за ним следить, - в материале портала «Культура.РФ» .

Наивный - значит простой

Александр Емельянов. Автопортрет. 2000-е. Частное собрание

Владимир Мелихов. Раздвоение. 1989. Частное собрание

Наивное искусство - это творчество художников без профессионального образования, которые при этом системно и постоянно занимаются живописью. В самом наиве можно выделить отдельные направления, например ар брют или аутсайдер-арт - искусство художников с психиатрическим диагнозом.

Очень важный вопрос для искусствоведов - как отличить наивиста от дилетанта. Критериями оценки творчества таких художников обычно служат самобытность и качество их работ. Большую роль играет и личность самого автора: посвятил ли он жизнь искусству, стремился ли что-то сказать в своих работах (живописных, графических, скульптурных).

Первый наивный

Наивное искусство существовало всегда. Наскальная живопись, палеолитическая скульптура и даже античные куросы и кариатиды - все это выполнено в примитивистской манере. Выделение наива как самостоятельного течения изобразительного искусства произошло не одномоментно: этот процесс занял более века и завершился в конце XIX столетия. Пионером этого новаторского течения стал Анри Руссо, французский художник-самоучка.

Руссо долгое время служил в таможне, уже в зрелом возрасте оставил профессию и серьезно занялся живописью. Впервые он пытался выставить некоторые работы в 1886 году на парижской «Выставке независимых», но был осмеян. А позже, в начале XX века, он познакомился с известными авангардистами, в том числе Робертом Делоне, который оценил смелый стиль Руссо. Авангардисты часто «вытаскивали» таких самобытных живописцев, как Руссо, помогали им развиваться и даже черпали в их работах, в их видении вдохновение для собственного художественного поиска. Вскоре работы Руссо начали пользоваться спросом, публика оценила оригинальность его сюжетов и особенно его работу с цветом.

В России наивное искусство предстало перед массовым зрителем на организованной художником Михаилом Ларионовым выставке «Мишень» 1913 года. Именно там впервые экспонировали работы Нико Пиросмани , которые привезли из Грузии братья Кирилл и Илья Зданевичи, художники и искусствоведы. До этой выставки публика не представляла, что любительское искусство могло быть больше, чем лубочные вывески и фольклорные росписи.

Наивные черты

Нико Пиросмани. Портрет Созашвили. 1910-е. Московский музей современного искусства

Нико Пиросмани. Женщина с пасхальными яйцами. 1910-ые гг. Московский музей современного искусства

Работы наивных мастеров часто объединяют атмосфера радости и восторженный взгляд на повседневную жизнь, яркий колорит и внимание к деталям, совмещение вымысла и реальности.

Многие классики отечественного наивного искусства кроме, пожалуй, Нико Пиросмани и Сосланбека Едзиева, прошло школу ЗНУИ - Заочного народного университета искусств. Он был основан в 1960 году на базе художественных курсов имени Надежды Крупской; в нем преподавали Роберт Фальк, Илья Машков, Кузьма Петров-Водкин и другие маститые авторы. Именно обучение в ЗНУИ давало наивистам возможность получить технические навыки, а также профессиональное мнение о своих работах.

Каждый наивист формируется как художник в некой изоляции, навсегда остается замкнут в рамках собственных идей и собственного стиля и может всю жизнь работать с кругом вечных тем. Так, работы Павла Леонова 1980-х и конца 1990-х годов мало чем отличаются: похожие композиции, похожие герои, все то же восприятие действительности, близкое к детскому. Разве что краски становятся более качественными, а холсты - масштабными. То же можно сказать об абсолютном большинстве наивистов. Даже на значимые общественные события они реагируют особенно: не меняют стилистику в зависимости от времени, а лишь добавляют в работы новые вещественные приметы эпохи. Как, например, классик наива Владимир Мелихов. Его работа «Раздвоение» - это прекрасная иллюстрация женской доли в Советском Союзе. На ней изображена женщина, которая буквально находится в двух местах одновременно: работает на заводе одной рукой, а второй - нянчит ребенка.

Наивные темы

Павел Леонов. Автопортрет. 1960. Московский музей современного искусства

Павел Леонов. Уборка урожая. 1991. Московский музей современного искусства

Наивисты обращаются к общечеловеческим темам, близким каждому: рождение и смерть, любовь и дом. Их работы всегда понятны, поскольку художники стараются наиболее просто выражать волнующие их идеи, не углубляясь в символизм и скрытые смыслы.

Одним из первых сильных впечатлений наивного художника становится его выход в город, в социальную среду. Наивистам, которые, как правило, живут в деревне, свойственно идеализировать город, они пишут улицы и скверы светлыми, воздушными и причудливыми. Особенно художников, например Эльфриду Мильтс, вдохновляют технологические новшества - в частности, московское метро.

Еще одной общей для наивного искусства темой можно считать изображение человека - портреты и в особенности автопортреты. Наивистам присущ способ исследования мира через призму своей личности, собственного облика и облика окружающих людей. А также их интересует способ отражения внутреннего мира человека в его внешности. Поэтому работ портретного жанра дают возможность зрителю познакомиться с наивистами почти лично, узнать их такими, какими художники воспринимают самих себя. Замкнутость наивистов в собственном внутреннем мире иллюстрирует, например, автопортрет современного художника Александра Емельянова. Он изображает себя как совокупность образов и тем, к которым обращается.

Почти все классики наивного искусства так или иначе интерпретируют тему детства. Наивисты всегда остаются детьми, поэтому связанные с этой идеей работы - трогательные и непосредственные - становятся некой точкой соприкосновения ребенка прошлого и ребенка нынешнего, до сих пор живущего в душе художника. Примечательно, что себя в образе ребенка наивисты почти никогда не пишут. Они концентрируются на окружающем мире, на портретах других детей, на изображении животных - на том, что можно увидеть в азбуке.

Светлана Никольская. Сталин умер. 1997. Московский музей современного искусства

Александр Лобанов. Автопортрет в овальной раме под гербом СССР. 1980. Московский музей современного искусства

Следующая важная тема в наивном искусстве - тема застолья. Художники очень любят писать натюрморты, пиры, свадьбы и гулянья - особенно часто их можно увидеть на картинах Нико Пиросмани, Павла Леонова и Василия Григорьева, для которых застолье приобретает сакральный, евхаристический смысл. Пир любви, пир веселья, пир семейного круга - каждый художник находит в этой теме что-то очень личное и ценное. Как и в теме дома, семейного очага, который символизирует покой, уют и безопасность. В работах Павла Леонова, советская действительность всегда связана с радостью, праздниками и парадами. Даже труд Леонов изображает радостным и светлым.

Однако наивное искусство не всегда идиллическое. Например, аутсайдер-арт или ар брют зачастую оставляют у зрителя неясное тревожное ощущение. В этих работах не существует стройного и законченного мира - художники чаще всего концентрируются на одном мотиве или предмете и воспроизводят его в каждой работе. Для классика аутсайдер-арта Александра Лобанова таким объектом стала винтовка Мосина. Сам Лобанов из винтовки никогда не стрелял, да и в работах его нет ни войны, ни жестокости, ни боли. Этот предмет - словно артефакт, воплощение силы, как и активная советская символика, которая присутствует в абсолютном большинстве его работ.

Ключевые философские темы для художников - рождение и смерть. Наивисты обожествляют рождение человека, как физическое, так и личностное, сравнивают его с божественным зарождением жизни в общем. А уход человека они воспринимают с точки зрения оставшейся о нем памяти и боли. Так, например, на картине Светланы Никольской люди, облаченные в серое, контрастируют с насыщенно-красным фоном, прочесть их мысли или чувства невозможно - они будто окаменели.

Эпоха классического наива постепенно уходит. Сегодня столь закрытое и обособленное существование наивистов, каким оно было раньше, невозможно. Художники должны активно включаться в арт-процесс, понимать, что происходит на арт-рынке. Это не хорошо и не плохо - просто показатель времени. И тем ценнее будет каждое зрительское обращение к наивному искусству, пока оно окончательно не исчезло.

Портал «Культура.РФ» благодарит за помощь в подготовке материала старшего научного сотрудника ММОМА , участника кураторской группы выставки «НАИВ…НО» Нину Лаврищеву и сотрудника Музея русского лубка и наивного искусства Марию Артамонову.

Наивное искусство (naive art) - одно из направлений примитивизма, которое характеризуется наивной простотой техники, анти-академическим подходом к живописи, свежестью взгляда и оригинальностью манеры исполнения рисунков. Непризнаваемый и поначалу преследуемый за «варварское» отношение к каноноам живописи, арт-наив в итоге выжил и занял достойное место в истории мировой культуры. В творчестве художников, работающих в этом жанре, не редко присутствуют бытовые сцены, связанные с едой, что, естественно, не могло не заинтересовать наш тематический сайт.

Следует сказать, что корни жанра «naive art » уходят далеко в глубину веков. Первыми образцами наивного изобразительного искусства можно считать наскальные рисунки, найденные в пещерах Южной Африки. (Уверены, что рисунки древнего охотника скорее воспринимались окружающими в качестве меню, а не живописи 🙂).

Гораздо позже греки, обнаружив к северу от Черного моря скифские статуи «каменных баб», тоже сочли их примитивным «варварством» из-за нарушения пропорций тела, которые в древнегреческой культуре характеризовали гармонию и красоту. Вспомните хотя бы «золотое сечение» Поликлета.
Тем не менее, «правильность» классического искусства постоянно продолжала подвергаться партизанским нападкам народного творчества. И вот, после свержения господства Рима в большинстве стран Европы, изобразительное искусство, сделав галс, сменило курс от совершенства в сторону поиска выразительности. В роли средства для достижения этой цели весьма подходила оригинальность и самобытность бывшего изгоя и аутсайдера, которым считалось наивное искусство.
При этом нельзя игнорировать тот факт, что выдающиеся художники «арт-наива» никогда бы не получили мирового признания, если бы их идеями и стилем не заинтересовались европейские художники, вроде Пабло Пикассо, Анри Матисса, Жоана Миро, Макса Эрнста и других. Это они поддержали «восстание против романтики классицизма ».
В поисках «пятого элемента» изоискусства, они, вроде средневековых алхимиков, пробовали иррационально оперировать чудом и загадкой, смешивая на своих картинах авангардизм и дикую природную первозданность, которая произростала из недр затерянного «примитивного» мира Африки, а так же Центральной и Южной Америки.
Общеизвестно, что Пабло Пикассо подробно исследовал африканский стиль «примитивного искусства», изучал подлинные маски и скульптуры, привезенные оттуда, чтобы постичь творческое подсознательное начало «черного континента» и воплотить его в своих работах. Что во многом и определило его фирменный асимметричный стиль. Даже на , он использует приемы диспропорции.
Портрет этого испанского новатора-живописца был своеобразно выполнен колумбийским художником, которого в программе ВВС 2007 года самого окрестили «Пикассо Южной Америки «.

Бывший иллюстратор Фернандо Ботеро Ангуло (1932 г.р.) стал известен после того, как выиграл первый приз на «Выставке колумбийских художников» в 1959 году. Это отворило ему двери в Европу, где и началась крутая карьера этого самобытного художника и скульптора, творчество которого впоследствии повлияло на многих апологетов наивного искусства. Чтобы увидеть это, можно сравнить его картины с работами некоторых современных коллег по арт-наиву. Чтобы не отвлекаться от «продуктовой» тематики, возьмем одну из излюбленных тем Ботеро – пикники .

Один из старейших художников-примитивистов, лидер хорватского наивного искусства — Иван Генералич (1914- 1992). Отсутствие профессиональной выучки, крестьянское происхождение и сельская тематика картин, не помешали ему с 1953 года получить признание во всей Европе. Крестьянская жизнь предстает в его работах как бы увиденной изнутри, что придает им удивительную экспрессию, свежесть и непосредственность.

Картину, где под Эйфелевой башней хорватский дедушка пасет коров, можно счесть скрытной усмешкой в адрес парижского бомонда, стоит только глянут на фото автора: скромная закуска из колбаски, хлеба и лука, разложенных на табуретке; кошелка на дощатом полу, одет в потертую дубленку… Генералич по жизни непритязателен и мудр. Французский романист Марсель Арлэн писал про него:» Он рожден землей. Он обладает мудростью и очарованием. Ему не нужны учителя.»

Многие художники современного «наивного искусства», кажется, не избежали очарования произведений предшественников. Но, при этом, в непосредственность художественного выражения, присущую арт-наиву, они привносят неведомые западным европейцам элементы «соцкульта». Как пример, приведем несколько декоративных жанровых сценок белорусской художницы Елены Наркевич , много лет назад эмигрировавшей в Испанию. Ее картины — ироническая реконструкция идеализированного мира, приснопамятного общего прошлого, хорошо знакомого всем жителям бывшего СНГ. Они переполнены ностальгическими флюидами исчезающей эпохи соцреализма с запахами кухни, где готовят оливье и суетятся хозяйки в ожидании гостей, где дачи заменяют загородные дома, а пикники называются вылазками на природу.

И хотя в работах Елены Наркевич присутствует большинство формальных признаков жанра «наивного artа», вроде искажений в геометрических аспектах, нерафинированность цвета на композиционных планах, утрированные пропорции фигур и прочие маркеры арт-наива, но эксперты относят подобные произведения к псевдо-наивному искусству или «искусственно наивному », — когда художник работает в подражательной манере. (Еще одну черту наивного искусства — нарочитую «детскость» изображения – довела до коммерческого совершенства художница Евгения Гапчинская ).

В схожей с манерой Елены Наркевич пишет свои картины художница родом из Донецка — Анжела Джерих . О ее творчестве мы уже рассказывали в .

Внутренний мир рисунков Анжелы Джерих иногда сравнивают с магией изображения персонажей в фильмах Феллини. Художнице удаются иронические и, в тоже время очень любовные, «иллюстрации ушедшей эпохи» соцреализма. В дополнение к этому, Анжела обладает элегантной фантазией и может по-пушкински фиксировать «прекрасные мгновенья» жизни.

О ее коллеге по «арт-наивному цеху», московском художнике Владимире Любарове , мы тоже рассказывали. Серия его работ под названием «Едоки », хоть и радует глаз съестными натюрмортами, но эту «гастрономическую реальность» он не выделяет саму по себе. Она является лишь поводом к тому, чтобы продемонстрировать жизнь своих персонажей, их характеры и чувства. . Там же можете ознакомиться с его забавными и душевными картинами. (Или на его персональном сайте www.lubarov.ru).

Если Любаров от цивилизации сбежал в поселок, чтобы там рисовать свои картины и заниматься натуральным хозяйством, то «наивный художник» Валентин Губарев из Нижнего Новгорода переехал в Минск. (Словно для того, чтобы восполнить потерю от эмиграции Елены Наркевич 🙂).

Картины Валентина Губарева, о которых обладают невероятной притягательной силой и обаянием. На них эмоционально и позитивно реагируют даже далекие от искусства люди. В его произведениях кроется некое простодушие и ирония, озорство и грусть, глубокая философия и юмор. На его картинах - множество действующих лиц, деталей и предметов, как на балконе панельной пятиэтажки, заваленном вещами нескольких поколений жильцов. Но, как точно подмечают ценители его картин: “много всего, но ничего лишнего”. За страсть к мелкой деталировке картин его называют «белорусским Брейгелем ». Сравните сами – слева Брейгель в оригинале, а справа одна из сотен схожих картин Губарева. (Кстати, ювелирно используя миниатюры, Брейгель на своей картине изобразил 118 пословиц из скандинавского фольклора).

В целом, возникновение примитивизма было вызвано, с одной стороны, неприятием современной урбанизированной жизни и подъемом массовой культуры, а с другой — вызовом изощренному элитарному искусству. Примитивисты стремились приблизиться к чистоте, эмоциональности и незамутненной ясности народного или детского сознания. Эти веяния коснулись многих художников Европы, Америки и России.

Нельзя не упомянуть о ярком представителе искусства наива и примитивизма на рубеже XIX-XX веков, французском художнике Анри Руссо . Его картины вообще сложно охарактеризовать словами из-за буйства фантазии и несравнимой ни с кем манеры рисунка. Живописью он стал заниматься уже в зрелом возрасте, не имея соответствующего образования. Часто рисовал экзотические джунгли, которых никогда в жизни не видел. Не обращая внимания на многочисленные упреки, что «так может рисовать и ребенок», Руссо шел по тропе своего призвания. В результате его настойчивость оказалась тем архимедовым рычагом, который перевернул мир изобразительного искусства: гений Анри Руссо признали, а новое поколение художников перехватило у него палочку эстафеты.

Черты примитивизма были присущи и творчеству великих французских живописцев, Полю Гогену и Анри Матиссу . Только посмотрите на гогеновских «Таитянок с манго» или на бурную «Радость жизни» Матисса: вылазка на природу в полном разгаре. (Недаром Матисс был фовистом).

В России были свои группы приверженцев стиля наивного искусства. Среди них участники творческих сообществ «Бубновый валет» (П. П. Кончаловский, И. И. Машков), «Ослиный хвост» (М. Ф. Ларионов, Н. С. Гончарова, М. З. Шагал) и другие.

Одним из гениев примитивизма по праву является Нико Пиросмани . Этот художник-самоучка из маленькой грузинской деревни перебивался нищенским доходом, торгуя молоком. Свои картины он часто дарил покупателям или отдавал перекупщикам в надежде выручить немного денег. Веселые застолья, сцены крестьянской жизни, природа — вот темы, которые вдохновляли Пиросмани. Все пикники и празники на его картинах обладают характерными национальными особенностями. Одиночество и растерянность художника-самородка в сутолоке городского мещанства оборачивается на его полотнах философскими раздумьями о месте человека (и вообще живого существа) в мире, а его пиры и застолья говорят о мгновениях радости земного бытия.

Можно и дальше продолжать приводить примеры, но даже из маленького экскурса становиться очевиден мультикультурный феномен наивного искусства. Подтверждением тому могут быть сотни музеев и галерей, где хранятся картины «наивных художников». Или суммы продаж произведений naive artа, исчисляемые в сотнях миллионов долларов.

Жанр примитивизма оказался живучим и адаптируемым, как все простейшие в природе. Развивалось наивное искусство не благодаря академическим «искусственным» наукам (художники арт-наива зачастую не имели образования), а скорее вопреки, ведь средой зарождения и обитания наивного искусства являются глубоко природные, малодоступные ученым и критикам явления, где царит всемогущий гений Человека.

В случае с произведениями жанра naive art , мы полностью солидарны с выражением Луи Арагона: «Наивно считать эти картины наивными .»

Я сижу в кафе. Ко мне за столик подсаживается женщина в возрасте – видно, что достатка совсем не большого. Достает листы А3, уголь. «Хотите я вас нарисую?». Я не соглашаюсь, но и не отказываюсь – интересно. Бормоча себе что-то под нос, женщина буквально за 5 минут изображает мой портрет и предлагает мне забрать его – понятное дело, не бесплатно. Через пару минут я уже иду к метро, держа в руках лист с очень примитивным моим изображением. Я заплатила за него пятьдесят рублей.

Эта женщина заставила меня вспомнить о наивном искусстве. Энциклопедия искусства дает такое определение этого жанра: «традиционное искусство народных мастеров, а также художников-самоучек, сохраняющее детскую свежесть и непосредственность видения мира» . Может быть, вам встречались эти картины – простые, искренние, кажется, что их нарисовал ребенок, но на самом деле авторство принадлежит взрослому человеку. Чаще всего это люди даже пожилые. У них есть своя профессия – рабочая, как правило. Они живут в деревнях, и каждый день ходят на работу. Наивное искусство - направление довольно старое. Еще в XVII веке непрофессиональные художники создавали свои «беспощадно правдивые» портреты, а в XX веке наив выделился в отдельное направление, свободное от академических правил и норм.

Прародителем наива считается иконопись. Увидев такие иконы, вы наверняка без труда отличите их от традиционных. Они непропорциональны, примитивны, как будто бы даже неаккуратны. Все эти характеристики можно применить к любой картине наивного искусства, не только к иконам.

Один из самых ярких представителей наива - . Он же считается основоположником наивного искусства. Руссо написал свою первую работу в 42 года – он работал таможенником, и писать начал только когда вышел в отставку. У этих художников нет времени, чтобы профессионально заниматься творчеством, да они и не хотят. Просто иногда в свободное время рисуют то, что видят. «Сбор яблок», «Молотьба», «Бурная речка», «Белят холсты» – вот названия картин наивных художников.

Работы Руссо часто подвергались насмешкам и жесткой критике, особенно поначалу. А широкую популярность художник приобрел после того, как к одной из его картин подвели Камиля Писсаро – хотели позабавить, а мэтр стал восхищаться стилем художника и хвалить картину. Это был «Карнавальный вечер», 1886.

Детали пейзажа слишком уж тщательно выписаны, да и построение планов забавляло зрителей, но именно это и восхитило Писсаро.

Другой, не менее известный наивный художник – грузин Нико Пиросмани. В начале ХХ века, когда Пиросмани начал активно заниматься искусством, он рисовал самодельными красками на клеенках – белого или черного цвета. Там, где нужно было изобразить эти цвета, художник просто оставлял клеенки незакрашенными – так и выработал один из своих основных приемов.

Пиросмани любил изображать животных, а его друзья говорили, что в этих зверях он, скорее, рисует самого себя. И на самом деле, «лица» всех животных у Пиросмани мало похожи на настоящие животные морды, и у всех них одинаковый взгляд: грустный и беззащитный, будь то «Жираф» (1905) или «Медведь в лунную ночь» (1905).

Нико Пиросмани умер в бездомной нищете от голода и лишений. И это при том, что у него время от времени была работа по оформлению вывесок общепитов.

Большая же часть представителей наива своим художественным творчеством и вовсе не зарабатывают, оставляя на него в лучшем случае пару часов в день, в качестве хобби. Профессии этим не сделать – именно это и выделяет наивных художников в отдельную касту. Это очень честное искусство, от всей души – над художником нет ни гнета заказов, ни материальной зависимости от творчества. Он просто рисует, потому что любит это – и сбор урожая, и обряды сватовства, и родную речку в лесу. Любит и воспевает так, как умеет.

Совсем по-особенному умеет это румынский художник-наивист . Его работы похожи на иллюстрации детских книжек - они красочные, добрые и сказочные. Даскалу отличается от многих художников наивного искусства тем, что изображает фантазийные сюжеты, а не обыденные жизненные ситуации. Там и дом из ботинка, и лилипуты с великанами, и летающие единороги. При этом, его картины не перестают быть простыми - как по форме, так и по содержанию. Глядя на них, хочется перечитать любимые сказки и немного помечтать.

Наив включает в себя творчество самоучек и самодеятельное искусство. «Наивный» – не значит «глупый» или «недалекий». Это, скорее, противопоставление профессиональному искусству. Художники наивного искусства не имеют профессиональных художественных навыков. В этом их отличие от художников примитивизма: те, будучи профессионалами, стилизовали свои работы под «неумелые» и простые. А главное, – наивные художники не стремятся рисовать по канонам, профессионально. Они не хотят развивать свое искусство и делать его своей профессией. Художники наива пишут мир не так, как учат, а так, как чувствуют его.

Сначала мне показалось, что наивное искусство похоже на частушки. Я так обрадовалась этому сравнению – очень уж получилось оно красочным и ярким. Но разобравшись, я поняла, что неправа. Наивное искусство очень светлое, но «чугунно серьезное». В нем, в отличие от едких частушек, нет юмора, гротеска, карикатурности – хотя на первый взгляд кажется совсем иначе. В наиве у автора всегда восторженное восприятие того, что он изображает. А там, где восторга нет, нет и наивного искусства – они просто не показывают эти области жизни. Наив – это искреннее восхищение.

В Москве есть Музей наивного искусства – его работники ведут серьезную работу по сбору экспонатов, общаются с авторами. Сейчас в музее около 1500 работ, но места для демонстрации немного, поэтому экспозиции меняются чуть ли не каждый месяц.

Этот текст не расскажет всего о художниках наивного искусства, но пускай хотя бы заинтересует и вдохновит дойти до музея или полистать эти наивные картинки в поисковике. Эти взрослые художники-мечтатели заслуживают простого внимания – пускай без восхищения и мирового признания, но давайте постараемся хотя бы знать их.

Часто наивное искусство отождествляют с примитивизмом . Но, хотя два этих направления в искусстве очень близки, это не одно и то же.

Наивное искусство объединяет самодеятельное творчество, искусство художников-самоучек. Что же касается примитивизма, то это стиль живописи, возникший в XIX в., который представляет собой обдуманное упрощение картины, делающее её формы примитивными. Это уже живопись профессионалов.
К наивному искусству ближе искусство Ар брют. Наивное искусство представлено во всех видах: живописи, графике, декоративном искусстве, скульптуре, архитектуре. К наивному искусству тяготел и русский авангард .

Нико Пиросмани (1852-1918)

Самым известным, пожалуй, представителем наивного искусства является Нико Пиросмани (Николай Асланович Пиросманишвили). Это о нём песня «Миллион алых роз». Он родился в Грузии в крестьянской семье. Не получил не только художественного, но и вообще никакого образования. Умел только читать по-грузински и по-русски. Живописи учился у странствующих художников, расписывавших вывески лавок и духанов. Собственное творчество создавал на том единственном, что находилось всегда под рукой – на простой клеёнке, снятой со столика.

Н. Пиросмани «Порт Батуми»
Летом 1912 г. творчеством Пиросмани заинтересовались кубофутуристы , которые и начали его пропагандировать: Илья и Кирилл Зданевичи, Михаил Лё-Дантю и др. Кирилл Зданевич приобрёл у Пиросмани большое количество картин, а Илья Зданевич опубликовал в 1913 г. в газете «Закавказская речь» статью о творчестве Пиросманишвили под заглавием «Художник-самородок». 24 марта 1913 г. в Москве на выставке «Мишень» наряду с произведениями известных художников (Ларионова и Гончаровой) были выставлены и несколько картин Пиросмани, привезённые из Тбилиси Ильёй Зданевичем. Творчеством Пиросмани заинтересовались молодые грузинские художники, а Давид Шеварднадзе начал собирать коллекцию его произведений. Но это не дало Пиросмани житейского благополучия – в 1918 г. он умер от голода и болезней.

Н. Пиросмани «Косуля на фоне пейзажа» (1915). Государственный музей искусств Грузии, Тбилиси
Особое место в творчестве художника занимают образы животных. Один из грузинских художников заметил, что у животных на картинах глаза самого художника.
Наивное искусство как явление художественной культуры находится вне рамок профессионального искусства. Его понимание и оценка начали складываться только в начале XX в., но наивное искусство оказало и оказывает влияние на творчество профессиональных художников России и Западной Европы. В период советской власти самодеятельность использовалась в целях идеологической работы. Но наивное искусство осталось верным этическим ценностям: вере в будущее, уважительному отношению к прошлому. Главное его отличие от официального и конъюнктурного искусства – оно бескорыстно.

Сергей Заграевский «Натюрморт». Этого автора относят и к примитивизму.

Во многих странах существуют музеи наивного искусства: в Германии это музей Шарлотты Цандер. В музее Царицыно коллекцию наивного искусства собирал Помещиков. В Суздальском государственном музее-заповеднике есть большая коллекция наивного искусства. В Москве действует Музей Наивного искусства в Новогиреево. В частных коллекциях также находится много картин самодеятельных художников. В Ницце (Франция) работает Музей наивного искусства А. Жаковского.
Произведения наивного искусства очень притягивают. На них хочется смотреть и смотреть, удивляться и улыбаться, грустить и восхищаться. Иногда кажется, что не такое уж оно наивное, это искусство, если вызывает столько чувств. Оно как бы из другого мира. Но это личное отношение и личные эмоции. А как же оценивают наивное творчество специалисты?
Несколько книг о современном наивном искусстве издала К. Богемская. К её книге «Наивное искусство» мы и обратимся, говоря о творчестве Павла Леонова.

Павел Петрович Леонов (1920-2011)

Павел Леонов (2001)

«Свои композиции Леонов называл конструкциями. Эти конструкции обрастают плотью цвета. Фигуры людей чаще всего черные - будто все они, как зэки в лагере, одеты в черные бушлаты. Но иногда они одеваются в белое. Мелкие черные птички, галочками видневшиеся в бледном небе ранних картин, становятся мясистыми черными грачами в синеве более поздних, а затем сюда прилетают и белые птицы.
Торжество мечты над жизнью, замысла над воплощением, столь присущее Леонову, является характерной чертой национального русского характера» (К. Богемская).

П. Леонов «Здравствуй, Пушкин!»
Эти конструкции у Леонова многоярусные, распространяющиеся по всей площади холста. А холсты – огромных размеров, что позволяет автору как бы жить внутри своей картины, жить в том мире, который он изображает. Его картины изображают прошлое, но в то же время, приукрашивая прошлое, они как бы рассказывают о лучшем будущем. «В картинах Леонова заключена такая жизненная сила, что они покоряют каждое сердце, открытое художественным впечатлениям и не испорченное стандартами потребления музейных образцов».

П. Леонов «А мне летать...»
«Созданное вне пределов профессиональной школы и стиля маргинальное творчество рождается из потребностей, далеко отстоящих от стремления к художественной славе. Его создатели странные люди - чудаки, изгои. Они проецируют в свои произведения образы и видения, явившиеся из воспоминаний, снов и мечтаний. Они говорят с собой языком изображений. Они рисуют как колдуют, создают вокруг себя собственный мир, коконом укрывающий их от реальности» (К. Богемская).

П. Леонов «В краю, где пальмы и лимон»
«...Пройдут годы, и всем будет очевидно: Леонов – великий русский художник. Уже не будут вспоминать определение «наивный». Так самым знаменитым художником Швейцарии стал Адольф Вёльфли . Так великим художником Грузии считается Нико Пиросманишвили.
Леонов создал свой образ России, какого еще не было. Он создал стиль, который принадлежал ему самому, и свой одухотворённый цвет.
Наследие Леонова, состоящее из полутора тысяч больших холстов, как и наследие других великих художников, огромный собственный мир, в гранях которого отражаются и преломляются различные грани мира окружающего.
Значение Леонова оценит будущее, которому потребуются основы для возведения здания национальной культуры» (К. Богемская).

Из биографии

П. Леонов «Автопортрет» (1999)

Павел Петрович Леонов родился в Орловской губернии. Жизнь его была тяжёлой, работал на заводах, рубил лес, ремонтировал суда, строил дороги, был столяром, штукатуром, печником, жестянщиком, маляром, художником-оформителем. Жил в Орле, в Украине, в Азербайджане, Грузии, Узбекистане. Был несколько раз арестован в 1940-1950 гг.
Живописью стал заниматься в 1950-е годы на Камчатке. В 1960-е гг. учился у Рогинского. Рогинский называл его «Дон Кихотом советского времени». Наиболее плодотворный период его творчества начался 1990-е годы, тогда его работы активно скупались московскими коллекционерами, хотя жил он постоянно в нужде, в тяжёлых бытовых условиях.
После смерти жены не работал и жил у сына в п. Савино Ивановской области. Там и похоронен.

Елена Андреевна Волкова (1915-2013)

В её работах есть что-то детское, тёплое и трогательное. Они не похожи на знаменитые произведения классики . Но знакомство с ними вносит в душу счастье.

Е. Волкова «Поросёнок спрятался» (1975-1980)
Среди винограда, огурцов, яблок, груш и грибов, в самом центре нарядного натюрморта улегся поросенок. «Не подумайте, что это заливной поросенок, - каждый раз говорила Елена Андреевна, показывая эту работу. - Просто он убежал от мамы и спрятался среди фруктов».
Елена Андреевна Волкова воссоздает в своих картинах радостное мировосприятие своего детства.

Е. Волкова «Лошадь в серебряном бору»
«Все, что я пишу сейчас на своих полотнах, это все у меня рождалось с самого детства. Это все была моя мечта, я все наблюдала, запечатляла с детства и по сегодняшний день. Я не пройду никогда мимо какой-то красоты, всё вокруг мне нравится. Всё по-своему очень красивое» (из книги К. Богемской «Наивное искусство»).
С детства будучи музыкальной, она неправильный цвет воспринимает как неверный голос, испортивший весь хор. Её картины несут тепло и радость, духовную чистоту и саму жизнь во всей её многогранности.

Е. Волкова «Мир всем!» (1984)
Её реальность наполнена любовью. Её мир – это абсолютный свет и покой.

Е. Волкова «Весна»

Из биографии

Родилась в Чугуеве, недалеко от дома, где родился Илья Репин, в простой семье. Работала помощником киномеханика на передвижной киноустановке. Её муж умер во время войны. Е. Волкова начала писать картины в 1960-е годы возрасте 45 лет, не имея художественного образования. Один из основателей украинского авангарда, Василий Ермилов, приобрёл ряд её картин. Сергей Тарабаров из московской галереи наивного искусства «Дар» в 2000 г. считает Волкову одной из наиболее интересных художниц, работающих в стиле наивного искусства в России.
Елена Волкова стала первой художницей жанра наивного искусства, кому устроили персональную выставку в Третьяковской галерее.
Последние годы жила в Москве. Умерла на 99 году жизни.

Таисия Швецова (р. 1937)

Художница из Вологодской области. Специального художественного образования не имеет. Живописью занимается с 1996 г. Её картины – это праздник щедрости и доброты.

Т. Швецова «Лошадка» (2008)

Т. Швецова «Четыре рождества» (2007)

Голландская художница Ина Фреке (р. 1941)

Ина Фреке родилась в городе Хронинген (Голландия). Спокойным пейзажам родной страны она предпочитает яркие краски лета. Художница взялась за кисть, чтобы компенсировать жизненную утрату (смерть мужа). Потрясение, которое она пережила, переносилось ею проще, когда она лепила скульптуры и писала картины. В наивное искусство многие приходят после глубоких переживаний или стрессов.
Любимые темы рисунков Ины – экзотический мир Африки, фантастика космических путешествий и романтика юности. Разделение ярких цветовых пятен музыкальными линиями – стиль Фреке.

Ина Фреке «Легкомысленность»

И. Фреке «Планета утопия»
Жаль, что для широких кругов любителей искусства и профессионалов наивное искусство пока остаётся только маргинальным‚ непонятным и забавным явлением культуры. Это целый мир, в который надо просто войти, чтобы его понять. Причём войти без предубеждения, с чистым сердцем – ведь именно чистым сердцем создавались эти работы.

Наивная картина «Шапка и розы»

27.09.2011 22:00

В се чаще и чаще встречаются анонсы о предстоящих выставках художника наивного искусства. Вот сегодня мы и попробуем разобраться, что же это такое наивное искусство .

Во-первых, посмею себе предположить, что все изобразительное искусство берет свое начало из наива. Ведь когда не было классической школы, не были выведены законы живописи. Были сюжеты и были люди, которые хотели запечатлеть эти моменты на холсте или любом другом материале. Если призадуматься, то первые наскальные рисунки первобытного человека – это тоже наивное искусство.

Во-вторых, любой художник, впервые взяв в руки карандаши и кисти, начинает просто изображать на листе то, что он видит вокруг себя. Не подчиняясь законам логики и живописи, рука сама ведет линию туда, куда ей нужно. И так рождается живопись. Это потом приходят опыт и знания, но так или иначе все через этот этап проходят. Но почему тогда некоторые на этом этапе остаются?

Попробуем обратиться к определению и истории наивного искусства. Наивное искусство (от английского naive art) - стиль творчества самодеятельных, не получивших профессионального образования художников. Часто это понятие используется как синоним примитивизма, но в последнем речь скорее идет о профессиональном подражании непрофессиональному. Исторические корни наивного искусства – берут начало в народном художественном творчестве.

Но в настоящее время в этом направлении работают множество художников, которые получили очень хорошее художественное образование. Но продолжают писать по-детски не сложные сюжеты. При этом "наивный" художник отличается от "не-наивного", как знахарь отличается от доктора медицинских наук: оба - специалисты, каждый в своем роде.

Впервые наивное искусство заявило о себе в 1885 году, когда в Салоне независимых художников в Париже были показаны картины Анри Руссо, прозванного Таможенником, так как он был таможенником по профессии. Впоследствии в начале XX века моршаны - сначала Альфред Жарри, затем Гийом Аполлинер, а вскоре и Бернхейм, Вильгельм Уде, Амбруаз Воллар и Поль Гийом стали привлекать внимание публики не только к работам Руссо Таможенника, но и к произведениям других примитивистов и самоучек. Первая выставка наивного искусства прошла в 1937 в Париже - она называлась «Народные мастера реальности». Наряду с работами Руссо Таможенника здесь были выставлены произведения рабочих и ремесленников Луи Вивена, Камиля Бомбуа, Андре Бошана, Доминика-Поля Пейроне, Серафина Луи, прозванного Серафином из Санлиса, Жана Эва, Рене Рамбера, Адольфа Дитриха, а также Мориса Утрилло, сына Сюзанны Валадон.

При всем этом следует отметить что, многие авангардные художники, такие, как Пабло Пикассо, Робер Делоне, Кандинский и Бранкуси, уделяли особое внимание искусству детей и умалишённых. Интерес к творчеству самоучек проявлял Шагал, к русскому лубку обращался Малевич, особое место занимал наив в творчестве Ларионова и Гончаровой. Во многом благодаря приемам и образам наивного искусства успех сопутствовал показам работ Кабакова, Брускина, Комара и Меламида.

Творчество наивных художников как один из пластов современного искусства требует серьезного и вдумчивого изучения, в котором не может быть места поверхностным и крайним суждениям, нередко встречающимся в обиходе. Оно либо идеализируется и превозносится, либо рассматривается с оттенком пренебрежения. И это обусловлено в первую очередь тем, что в русском (как и в некоторых других) языке термин «наивный, примитивный» имеет в качестве одного из главных оценочный (и именно негативный) смысл.

Принципиальное отличие этого направления изобразительного искусства от детского заключается в глубокой сакральности, традиционализме и каноничности. Детская наивность и непосредственность мировосприятия как бы застыли навечно в этом искусстве, его выразительные формы и элементы художественного языка наполнились сакрально-магической значимостью и культовой символикой, имеющей достаточно стабильное поле иррациональных смыслов. В детском искусстве они очень подвижны и не несут культовой нагрузки. Наивное искусство, как правило, оптимистично по духу, жизнеутверждающе, многопланово и разнообразно, имеет чаще всего достаточно высокую эстетическую значимость. В отличие от него, искусство душевнобольных, часто близкое к нему по форме, характеризуется болезненной навязчивостью одних и тех же мотивов, пессимистически-депрессивной настроенностью, невысоким уровнем художественности. Произведения наивного искусства крайне разнообразны по форме и индивидуальной стилистике, однако для многих из них характерны отсутствие линейной перспективы (глубину многие примитивисты стремятся передать с помощью разномасштабности фигур, особой организацией форм и цветовых масс), плоскостность, упрощенная ритмичность и симметричность, активное использование локальных цветов, обобщенность форм, подчеркивание функциональности предмета за счет тех или иных деформаций, повышенная значимость контура, простота технических приемов. У художников-примитивистов XX века, которые знакомы с классическим и современным им профессиональным искусством, часто возникают интересные и оригинальные художественные решения при попытках подражать тем или иным приемам профессионального искусства при отсутствии соответствующих технических знаний и навыков.

Надежда Подшивалова . Танцы под первой лампочкой в деревне. 2006 год. Холст. ДВП. Масло.

Представители наивного искусства чаще всего берут свои сюжеты из окружающей их жизни, фольклора, религиозной мифологии или собственной фантазии. Им легче, чем многим художникам-профессионалам, удается спонтанное, интуитивное, не затрудненное культурно-социальными правилами и запретами творчество. В результате чего возникают оригинальные, удивительно чистые, поэтичные и возвышенные художественные миры, в которых господствует некая идеальная наивная гармония между природой и человеком.

Жизнь они понимают как «золотой век», потому как мир для них – это гармония и совершенство. Для них нет истории как постоянно творимого процесса, а время в нем обращено в бесконечный круг, где наступающее завтра будет таким же лучезарным, как и прошедшее вчера. И не важно, что прожитая жизнь была беспросветно-тяжелой, драматичной, а подчас и трагичной. Это нетрудно понять, если ознакомиться с биографиями наивов. Они словно хранят в генетической памяти свойственную их предкам целостность восприятия и сознания. Постоянство, устойчивость и душевное равновесие – вот условия нормальной жизни.

И здесь все становится понятно, всмотревшись более пристально, что наивный ум – это ум особого склада. Он не хороший и не плохой, он просто такой. Он включает в себя целостное миропонимание, при котором человек немыслим вне природы и космоса, он душевно свободен и может наслаждаться творческим процессом, оставаясь равнодушным к его результату. Он, этот ум, позволяет представить, что человек может пребывать и пребывает в двух снах.

Вместе с тем потенциал, которым располагает наив, может быть востребован в нашем бурном XXI веке, когда мы «фиксируем не историю эволюции, а историю катастроф». Он никого не потеснит и не отстранит, да и вряд ли может стать властителем дум, он лишь сможет предъявить самое ценное свое качество – целостное незамутненное сознание, «тот тип мироощущения, который только и можно назвать истинно нравственным, так как он не делит мир, а ощущает его организмом» (В.Пацюков). В этом – нравственно-этическая и культурологическая сила наивного искусства.

В настоящее время в мире создано огромное число музеев наивного искусства. Во Франции они есть в Лавале и Ницце. Такой музей был создан и в России. Московский музей наивного искусства был основан в 1998 года и является государственным учреждением культуры.